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A lo largo de la última década los subgéneros musicales no han parado de aumentar gracias a la tendencia de los últimos años de la fusión de estilos. El resultado de una de estas fusiones es lo que se ha pasado a denominar como Hip – House.

Orígenes

Conocido por algunos como “house – rap” surgió en la década de los 90 en las ciudades de Nueva York y Chicago. A pesar de nacer al otro lado del charco, el primer éxito del Hip-House surgió en Europa con “Rok Da House” de la mano de los productores británicos The Beatmasters con las raperas de la misma nacionalidad The Cookie Crew.

A pesar de esto, la llegada al viejo continente de la música house y techno impuso una especie de veto al desarrollo del Hip-House. En 1988 salía al mercado “I´ll House You” de Jungle Brothers, considerada por muchos como una colaboración entre el productor neoyorquino Todd Terry y Jungle Brothers. Tras el éxito de este tema, numerosos artistas de la conocida como “cuna de la música house”, la ciudad de Chicago, comenzaron a producir y dar a conocer los primeros temas del Hip-House. Tras esto se volvió muy popular en el Reino Unido alcanzando su máxima popularidad entre 1988 y 1991 con fusiones de las voces del hip-hop con con música dance, consiguiendo que la amyoría de raperos incorporasen algún tema de Hip-House en sus disc

¿ Y que tal suena?

El Hip-House de artistas como Kid Cudi, Dizzee Rascal, Tinie Tempah o Laurent Wery se ha comercializado mucho, especialmente el Dubstep al que algunos se atreven a calificar como el nuevo hip-hop. Aunque es un género algo diferente te puede llegar a gustar por las buenas influencias de lo mejor de la música house y del hip-hop.

Aunque tuvo su apogeo hace algún tiempo, el Hip-House ha experimentado un nuevo renacimiento en los últimos años con grupos como DiCE & k9 aka MOBBSTARR con su tema “Eargasmic” llegando a los primeros puestos de las listas en países como Filipinas

Por lo tanto, si eres fan de la música hip-hop y del house, el Hip-House o incluso el House Vocal (con vocales de rap) te recomiendo “Bonkers” de Dizzie Rascal o lo nuevo de Dj Ian con Snoop Dod “Last night”.

captura de mondosonoro.com

Afortunadamente para los muchos que no estamos al tanto y, por tanto, muy a pesar de sus fieles seguidores, este género está consiguiendo ampliar sus miras y calar entre un público mayoritario gracias a las propuestas de grupos que han trasladado esta música, íntimamente relacionada con la cultura rave, a los grandes estadios deportivos (algo impensable en nuestro país hace algunos años).

Pequeño potencial

Uno de esos grandes grupos, y del que vamos a hablaros en esta entrada, es Pendulum. La formación británico-australiana compuesta por Rob Swire, Gareth McGrillen y Paul Harding ha conseguido liderar a toda una nueva ornada de bandas que, sin encasillarse dentro de este género, han conseguido regalarlo a las masas sin perder un ápice de autenticidad.
Los primeros movimientos de la banda les hacen conocer a su mentor Dj Fresh, el cual ficharía al grupo para su sello discográfico Breakbeat Kaos, consiguiendo así grabar sus primeros singles y dar un gran número de conciertos.
En 2005 llega el primer álbum de la banda, Hold your colour, y con él la incorporación de nuevos miembros a la misma para presentarlo en directo, creando en Pendulum una imagen de formación muy en la onda de sus amados The Prodigy.
La fama cosechada gracias a este trabajo les permitió fichar por el sello musical Warner Bros Records, el cual les garantizaría una gran difusión y promoción de su siguiente trabajo, In Silico (2008).

Gran espectáculo

Este segundo trabajo de la banda vino respaldado por una gran gira que les llevó a actuar en los principales festivales musicales de Europa, así como a girar junto a grupos como Linkin Park o el rapero Jay-Z.
La extensa gira, y la popularidad entre el público adquirida por ella, se reflejó en el DVD que Pendulum lanzaron en 2009 bajo el título Live at Brixton Academy.
2010 fue el año elegido por la banda para publicar Immersion, su tercer disco. En esta nueva etapa, la formación sustituye a alguno de sus miembros y se embarca en un proyecto audiovisual muy ambicioso como respaldo de su música. Linkin Park les ha elegido para ejercer de teloneros en la gira de presentación de su último disco.

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El trip hop es un estilo musical basado en la música electrónica y caracterizado por introducir toques de otros géneros musicales como el rap o el jazz. Simplificando esto, podemos decir que esta música se basa en ritmos hip hop envueltos en atmósferas electrónicas.

Atmósferas envolventes

La actividad de la banda empieza en la década de los 90 en la ciudad de Bristol. Inicialmente, la formación surgió dentro del colectivo llamado The Wild Bunch compuesto por diferentes artistas musicales y graffiteros. Por entonces la banda estaba compuesta por Andrew “Mushroom” Vowles, Grant “Daddy G” Marshall y 3D (Robert del Naja). Esta formación graba Daydreaming, su primer single con la colaboración de Tricky y Shara Nelson como cantante. Sus siguientes singles fueron Unfinished Sympathy y Safe from Harm.
El primer disco de Massive Attack se publica en 1991 bajo el título de Blue Lines. Este álbum pasó bastante desapercibido entre el público pero no entre la crítica, que lo ensalzó y lo catalogó como uno de los trabajos más influyentes de los 90.
Tras un breve periodo en el cual la banda pasa a llamarse Massive y Shara Nelson abandona la formación, el grupo saca su segundo disco titulado Protection (1994) de nuevo con su nombre original. Este trabajo cuenta de nuevo con la colaboración de Tricky y con un sonido más trabajado y atmosférico.

Reyes del estilo

Cuatro años después de su última referencia el grupo edita Mezzanine, su tercer disco. Este álbum supuso un punto de inflexión dentro de la banda, materializado en la salida de Andrew Vowles de la formación.
100th Window fue el nombre escogido para su cuarto álbum, el cual tuvo un gran éxito comercial pero pasó bastante desapercibido por parte de la crítica en comparación a sus anteriores discos.
Su penúltima referencia hasta la fecha fue el trabajo que realizaron para la banda sonora de la película Danny the Dog, componiendo íntegramente la música de la cinta.
En 2010 sale al mercado Heligoland, el quinto y último disco de la banda por el momento.
Con más de una década a sus espaldas, una discografía apabullante y la creación de un himno para toda una generación como fue Angel, Massive Attack tienen garantizado su sitio en el cielo de la electrónica.

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El concepto de Mashup es muy simple: consiste en mezclar dos temas de géneros musicales distintos dando como resultado un único track con la letra de uno y la música de otro o viceversa. La teoría, como podéis comprobar, es bastante fácil y ofrece muchas posibilidades a aquellos que dominen la técnica.

El estilo

Que nadie considere que esto es un pijerío o una nueva manera de llamar a la ya sobada palabra remix. El mashup podría considerarse como la evolución del sampleo (coger un fragmento de una canción para construir otra nueva), con la novedad de que aquí en vez de coger un fragmento para construir algo nuevo, lo que haces es construir algo nuevo cogiendo dos fragmentos distintos.
¿Cuál es el único problema que tienen los mashup? El criterio. Hay ciertas cosas que son imposibles de juntar, y por mucho que te guste el death metal nórdico, intentar mezclarlo con una canción de minimal puede resultar simplemente ridículo. Es fundamental ver las limitaciones que cada género tiene y saber que, aunque seas muy bueno, es difícil hacer milagros.
Por el contrario, un buen oído puede convertir a un aficionado a mezclar temas en todo un maestro en el arte del mashup.
Esta técnica necesita, como base principal, tener un conocimiento musical relativamente extenso. Esto no es un requisito obligado, pero embellece mucho más el producto final cuando se trata de canciones que ni de lejos podrían imaginarse juntas. Como podéis ver, aquí la imaginación también juega un papel importante.

El resultado

La técnica del mashup lleva poco tiempo en funcionamiento y ha encontrado en Internet su principal foco de composición e irradiación. Las facilidad de esta técnica permite encontrar en la red una gran cantidad de ejemplos de mashup realizados por usuarios anónimos.
En España, el grupo de djs y productores valencianos Cookin´ Soul es el abanderado de esta nueva manera de mezclar canciones. Sus producciones, englobadas dentro del hip hop, sirven para que escuchemos en una misma pista a El Fary junto a Jay-Z, Nas y Manolo Escobar o Nino Bravo y Notorious Big. Todo un lujazo vaya.

Web oficial del grupo alemán Cascada

Se estima que Cascada ha logrado vender más de trece millones de copias de sus tres álbumes recopilados hasta la fecha.

Los integrantes de Cascada

La agrupación Cascada se encuentra integrada por la cantante Natalie Horler y los productores musicales DJ Manian y DJ Yanou. Natalie Horler, nacida en 1981, es una cantante germano-inglesa que desde los 16 años ha colaborado con numerosos DJ. Por ejemplo, ella participó en el tema “Sometimes” de act 2 Vibez. Por su parte DJ Manian, es un reconocido productor germano de trance. Ha colaborado con músicos y productores como Bulldozzer, M.Y.C., Ampire, Liz Kay, Manuel Schleis y Yanou.

DJ Manian es bien identificado por su celebrado tema Welcome To The Club. Finalmente Yanou es un músico y productor alemán que por su intenso trabajo creativo se ha ganado el respeto y la admiración de todos los aficionados a la música electrónica.

Tres tiempos de una gran trayectoria

Se puede comprender la trayectoria de Cascada en tres importantes etapas que se corresponden con los álbumes que han puesto al alcance de sus numerosos aficionados. Y así, el disco Everytime We Touch fue lanzado en el 2006. Tras una aceptación variable por parte de la crítica, los temas “Truly Madly Deeply” y “Miracle”, lograron consolidar por sin el éxito de este trabajo. Del 2007 es el disco Perfect Day, que incluye el sencillo “What Hurts the Most”.

Cascada tuvo mucha aceptación por este álbum, incluso le valió un Disco de Platino en el Reino Unido. Su más reciente lanzamiento fue el disco Evacuate the Dancefloor ha logrado muchos triunfos en Reino Unido, Alemania y Estados Unidos. En este último país ha obtenido Disco de Oro por sus altas ventas. Algunos de los temas más destacados de Evacuate the Dancefloor son, el sencillo que le da título al disco, “Breathless”, el rítmico tema “Dangerous” y la balada “Draw the Line”.

Fotograma del videoclip Wonderlust de Björk

Björk, vestida con prendas de aire mongol deambula entre ellas. La obsesiva mirada de estos animales y un conjuro que Björk desarrolla, producen que la manada entera se lance en la corriente del río iridiscente. Björk viaja en la espalda de uno de los yaks, flotando entre aguas de brillos.

Viaje al fondo del yo

Mientras los acordes hipnóticos y plenos de melancolía del tema Wonderlust saturan el ambiente, todos son arrastrados hacia una cascada descomunal. Mientras tanto un grotesco doble de Björk ha brotado de su espalda y contiende con ella en el lomo del formidable animal, ante la mirada de una gigantesca deidad bovina.

Al final Björk y su doble caen en el abismo y son recibidos por una presencia divina que los toma entre sus manos y los lleva hacia la luz.

Visiones del trasmundo

El video Wonderlust fue ampliamente celebrado por los aficionados a la música electrónica y a las fantasías surrealistas siempre sorprendentes y profundas de Björk.

Algunas referencias simbólico-hermenéuticas que resaltan de este proyecto son las siguientes: los seres similares a bovinos, con sus profundos ojos cansinos, aluden a una honda percepción espiritual. Pero también a la tradicional cabalgadura de los sabios, como fue el caso del filósofo Lao-Tse. El río, por su parte es un símbolo de la temporalidad que desemboca en una fusión de lo individual con lo absoluto.

El doble maligno que brota de la espalda de Björk es una referencia al número dos, la condición mínima de la pluralidad, de la gestación del ser por medio de la confrontación y la armonía de opuestos. Precisamente la lucha entre Björk y su doppelgänger, tiene los visos de una danza ritual: una evocación en movimientos tensionados de las fuerzas creadoras del ser.

Las manos colosales que reciben a Björk y su doble son un símbolo de autoridad, perdón y salvación. La luz en la que se consume la viajera es una culminación de inmaterialidad feliz y transformadora.

Web oficial de Markus Schulz

Sin embargo, sucede algo extraño: ella parece no poder comunicarse con ningún ciudadano. La chica trata de llamar la atención de un yuppie oriental, sin conseguirlo. Lo mismo le sucede con un veterano burgués. Parecen ignorarla voluntariamente o quizá no percatarse de su existencia.

Perseguidor de sombras

Cuando finalmente parece que Schulz ha encontrado a la chica de sus sueños, en un lugar límite- una frontera- un puente colosal, ella se difumina en el vacío. Schulz, abatido y confuso regresa a su desolada habitación. Sin embargo algo ha cambiado allí: los portaretratos que yacían rotos y vacíos, ahora ostentan imágenes de la chica misteriosa.

Schulz sonríe conforme, puesto que por lo menos así, en la virtualidad, podrá tenerla. Se sienta en la cama y observa un retrato del rostro de la chica, mismo que de pronto, con un movimiento del retrato se difumina y hace aparecer el del propio Schulz reflejado. El músico mira entonces a la cámara y hace con la mano el gesto de disparar un revolver.

El otro por sí mismo

El video amerita muchas lecturas, vale la pena relacionarlo con obras literarias como el relato “El hombre de la multitud” de Edgar Poe, o “El doble” de Fedor Dostoyevsky. El video más allá de exhibir una identificación de Schulz con el objeto de sus sueños, trata más bien de exponer el desencuentro permanente del sujeto posmoderno con sus propia justificación de ser.

El trance creado por Schulz en general, denso y melancólico puede interpretarse como un laberinto que desemboca en ese callejón sin salida completamente abierto, en donde el escucha se percata de que no es más que la ilusión de los ritmos de Markus, siendo escuchados por alguien que nunca oyó nadie.

Web oficial del grupo belga Milk Inc

Milk Inc

Posteriormente con la incorporación de la Linda Mertens, en el 2000, el grupo, complementado por el líder y tecladista Regi Penxten, y por Flip Vandueren, tecladista y más enfocado en la producción, creció considerablemente con el paso del tiempo. Se han sostenido en las cimas de la popularidad en Europa, Canadá y Australia por más de una década. Su propuesta se caracteriza por melodías vibrantes y energéticas, que la sensual voz de Linda Mertens acerca hasta el alma de los escuchas.

Paradójicamente, decae mucho su trabajo cuando se acercan a lo acústico. Excelentes sencillos de Milk Inc son: In My Eyes / Inside Of Me, Never Again / Donna 4Life, Breathe Without You, I Don’t Care / Blown Away, Go To Hell / Remember y el reciente Blackout.

Sylver

Más decantados hacia el trance, el gruipo Sylver está integrado por Silvy De Bie y Wout Van Dessel. Ella era una estrella infantil que tuvo que esperar la adultez para poder desarrollar todo su talento. En el 2001, el sencillo Turn the tide los situó en un lugar privilegiado en el gusto del público de los centros nocturnos de baile.

“Livin’ My Life” y “Why Worry” del 2004 fueron canciones muy notables también. Actualmente el tema I Hate You Now del disco Sacrife, lanzado en este mismo 2009, suena contantemente en las emisoras de radio europeas. El virtuosismo melódico de Van Dessel construye laberintos sonoros para explorar, guiados por la tersa interpretación de la linda Silvy De Bie.

Lasgo

A pesar de haberse formado en el 2000 y de haber contado previamente con una excelente cantante como Evi Goffin, el grupo de eurodance Lasgo solo alcanzó un éxito extraordinario con el tema Something en el 2001. Sin embargo Goffin, junto con Peter Luts y Jeff Martens como productores, se mantuvieron en el gusto de los escuchas con agradables composiciones como Alone, Pray, Surrender y All night long. En el 2006, la calidad del grupo decayó notablemente.

Sin embargo, tras la salida de Evi Goffin y con la incorporación de su nueva vocalista, la preciosa Jelle van Dael, Lasgo ha tocado la cima de la popularidad con temas excelentes y frescos como Out Of My Mind, Gone y Lost.

Foto de la web: www.dentromusica.com

Aunque los integrantes de esta banda no han aceptado plenamente etiqueta alguna para sus creaciones, es inevitable aceptar que una noción tan hermética como original se aviene bien con su tendencia “graffitera” musical. Las dificultades y anhelos rotos del urbanita, la desesperanza de todo fenómeno social de nuestros días, se asoma en cada una de sus canciones, que parecieran emular las elegías de un Teognis paria, perdido en el futuro.

La ruta hacia el subsuelo de nadie

En su primer álbum, Blue Lines, lanzado en el año 1991, se puede apreciar una música de tipo bailable, lenta y en “downtempo”. Del mismo modo sorprendió su voz aguardientosa, áspera y punzante, difícilmente confundible, que luego imitarían estrella como Tricky. Tan original fue su manifiesto que el ingeniero de sonido que los acompañaba se lanzó poco después por cuenta propia al fundar el grupo Portishead.

Massive Attack, por su parte, transitó hacia una vía más oscura con su siguiente producción en 1997, titulada Mezzanine. De este producto se desprendieron sencillos tan interesantes y complejos como “Group Four” o también “Superpredators” e incluso “Reflection. A la postre, en 2002, llegaría el album 100th Window, hondo y ambiental; y luego la esperada banda sonora de la cinta Danny the Dog , en 2004.

El secreto a voces del barrio

La clave del éxito de Massive Attack se funda en su sensibilidad al fracaso del instante citadino, esa vivencia que nunca se captura, sino que se transforma en un pequeño foso sin fondo, en donde el existente se vacía disgregado, en la añoranza de lo que nunca tuvo, pero que nunca dejó de soñar. Sin duda que Robert Del Naja y Grant Marshall nos tienen aun muchas sopresas deparadas en su siguiente producción, que se conoce con el título, aún tentativo, de The Weather Underground.

Tangerinne Dream ha creado BSO de ciencia ficción web www.tengerinnedream.org

Dos mundos muy relacionados

La mayoría de los compositores de música electrónica alterna sus trabajos para desarrollar composiciones para películas de ciencia ficción. Es el caso del grupo alemán Tangerine Dream que ha realizado las bandas sonoras de infinidad de films y series televisivas de Ciencia Ficción.

Este género ha crecido enormemente durante los últimos tiempos y, en especial, desde que le otorgaron el oscar por la banda de sonido de “Carros de Fuego” a un músico electrónico, que, además, es autodidacta. Está clarísimo y así lo demuestra la banda sonora de la película Blade Runner, que ilustra de manera concreta lo importante que es que un film de Ciencia Ficción tenga música de Ciencia Ficción.

No sería óptimo que un argumento fantástico presente una música acústica; será fundamental utilizar una música fantástica. Ciertas partes de la banda sonora de Dune son un excelente argumento de lo escrito anteriormente. En la actualidad, la mayoría de los films de Ciencia Ficción utilizan la música electrónica para completar el proyecto.

Música cósmica

Es importante destacar que la música cósmica proviende de la conexión espacial de la música electrónica. A tal punto llega esta “conexión”, que la NASA realiza pedidos musicales a compositores electrónicos para que sonoricen documentales espaciales. De todas maneras, este género electrónico no debe vinculárselo solamente con la Ciencia Ficción, ya que se utiliza además para films con ambientes fantasmales, terroríficos modernos, de espada y brujería, además de usarse mucho para varios tipos de documentales.