Screenshot de www.myxoft.com

Virtual DJ

Este excelente programa permite mezclar formatos de archivo muy variados, como por ejemplo, WMA, ACC, MP3 y OGG y puede ser de suma utilidad tanto para los DJ principiantes como para los experimentados. Una novedad que adiciona este software en sus versiones más recientes es la de mezclar archivos MPEG. Incorpora un provechoso motor para el bloqueo de beats, control automático de loops síncronos, realizar scratch a la manera de los grandes DJ y todo lo anterior a un nivel bastante positivo. También mezcla DivX y DVD.

AtomixMP3

A pesar de no tener una proyección tan ambiciosa como el programa anterior, AtomixMP3 continua siendo un referente en lo tocante al software para mezclar música, de hecho es la mejor opción para los que se inician en el mundo de los DJs. En AtomixMP3 se manejan dos bandejas para la elaboración de las mezclas, gracias a esta manejable estructura es posible desarrollar mezclas, controlando el crossfader o el pitch, entre otras facilidades.

BPM Studio 4.9

Se trata del software más usado por los Djs. Es la herramienta más eficaz para lograr que una noche de música y consolas se torne inolvidable. Con este programa es factible almacenar colecciones enteras de música en el ordenador, haciendo innecesario el manejo de discos compactos. Su potente buscador permite un perfecto control y acceso a todos los archivos coleccionados. Además, cuenta con la funcionalidad habitual en este tipo de software: ajuste de beats, de tempo, pitch, BPM y más.

DSS DJ 5.6

No obstante se perfila como una alternativa para la formación de los DJs principiantes, en el fondo resulta un programa muy completo y sobresale por ello, con respecto a otro software similar. Con este programa se pueden ensayar dinámicas que manejan los Djs profesionales. Aunado a lo anterior sirve perfectamente como una eficaz herramienta de gestión de colecciones musicales. Otro de los aspectos destacados de este programa es la variedad de efectos de procesamiento digital de señales, con las que cuenta.

Ron Diggins fue el pionero en el mundo del dj (Imagen: djhistory.com)

Una emotiva evocación

Hace apenas algunos años se puso en subasta, en el Reino Unido, la que con justicia puede ser nombrada como la primera mesa de mezclas. Se trata del equipo que utilizó Ron Diggins, el abuelo de los Djs. Este equipo, rudimentario pero muy original, fue creado en 1947 y bautizado como ‘Diggola’ por su posteriormente famoso inventor.

Esta discoteca móvil estaba elaborada con madera de ataúd y fue usada para ambientar más de 200.000 fiestas. Mucho ha transcurrido desde que Diggins con su consola diera inicio a la era de los Djs y las transformaciones tecnológicas relacionadas con ello son más que notables.

El iPad para uso de los Djs

Un ejemplo de estas innovaciones la tenemos en el moderno y controvertido iPad. A punto de llegar a tierras hispanas, luego de constituirse como un éxito de ventas en los Estados Unidos, el iPad ya es el casuante de los suspiros de más de un Dj. Una muestra del potencial que se le ha visto al iPad, la tenemos en la aplicación elaborada por Noe Ruiz & Ben Stahlhood II, la denominada Mixr. Esta aplicación consiste en un completo sistema de mezcla para el uso de los Djs, por medio del manejo de la tablet iPad. Mixr incluye varias opciones entre los cuales destaca el control que proporciona de todos los parámetros que tengan interacción multitouch.

La consola Pioneer DJM-2000

Otro equipo que evidencia los alcances actuales de la tecnología Dj es la consola Pioneer DJM-2000. Se trata de una mesa de alta gama con cuatro canales y ostenta compatibilidad con anteriores lanzamientos de Pioneer, como es el caso del CDJ-2000. Además de sus seis puertos y de su pantalla táctil de 5.8 pulgadas, la mezcladora Pioneer DJM-2000 puede vincularse con equipos de cómputo, tarjetas de memoria o discos duros portables, que contengan miles de canciones, de tal suerte que siempre se encuentre abastecida de cortes para mezclar y hacer las delicias de los aficionados a la música y al mundo Dj en general.

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Artistas consumados

José Gonzalez está afincado en Madrid desde finales de la década de los noventa. Desde entonces se ha dedicado con ahínco a forjarse un nombre como productor y Dj de altura. Muchas actuales estrellas de las mesas de mezclas se formaron bajo la influencia de este talentoso cubano, que se desenvuelve especialmente bien en el house y en creaciones amparadas por la casa discográfica Synergy Recordings.

Otros estelares del Rock in Rio-Madrid serán Sander Kleinenberg, Mary Zander y Sergio Fernández. Este último Dj es uno de los artistas más respetados de toda España y cuenta con el apoyo de la compañía discográfica Insert Coin Records. Los ritmos que maneja Fernández oscilan de un perfecto minimal hasta un logrado progressive house. Por su parte, la carioca Mary Sander cuenta con una década de experiencia en las mezclas en donde maneja con presteza combinaciones de funky, deep y un adictivo techno house.

Más djs estelares

Otros grandes exponentes de la música electrónica se presentarán el viernes 11 en el marco del mismo festival. Se trata de Amo y Navas acompañados de Cristian Varela. El arte espléndido de Amo y Navas se ha hecho patente en espectáculos musicales de gran envergadura como por ejemplo el Kaballah, el Sunrise Festival o el Creamfields. Por si fuera poco, dentro del Rock in Rio Madrid se desarrollará el performance audiovisual Kludge Live, de quienes forman parte Bandoque, Caen Botto y Pablo Guadalupe.

Además, también cerca de la clausura se podrá bailar al ritmo de los remixes de Abel Ramos, que se hiciera célebre con su trabajo Rotterdam City of Love y su excelente mezcla para el éxito de Fatboy Slim titulado Right Here, Righ Now. Finalmente hay que destacar la presentación de Superlush, un grupo que surge de la combinación de talentos entre y Dj Nano y Jp Candela, quienes derrochan virtuosismo en sus arriesgados ritmos punk, electro, pop, rock e indie en un entramado electrónico de alucine absoluto. Todos ellos estarán reunidos en La Ciudad del Rock en Arganda del Rey.

Tino Boa tiene sus éxitos en Myspace

“Turn That Sit Up” de Tom Shepard

Se trata de un conglomerado de 6 variaciones del tema que le da título al álbum. Se trata de una fiesta de ritmos dinámicos y alegres, particulares de las nuevas tendencias de la música electrónica. Los seleccionados para preparar las mezclas de Tom Shepard son: Marco del Horno, Growlder, The House Moguls, Mike Fisher y Diplo. Cada una de estas creaciones se encuentra disponibles en línea en la página web Beatport.

“12000” de Tino Boa

Desde Alemania llega este extraordinario trabajo, con el caudal de beats que identifican a las corrientes del techno de nuestros días. Tino Boa poco a poco avanza hacia el grupo de consagrados y este álbum es un ejemplo patente. Es bailable pero con ciertas partes deliciosamente densas y oscuras. Dos de las cimas de este “12000” el tema “Shuffleexpress” y la estupenda versión remezclada de Gary Beck.

“Kisses from the Clouds” de Behind Blue Eyes

Estamos ante un ambicioso proyecto, un disco compacto doble con varias composiciones trabjadas en los estudios Iboga en Bélgica. Una sofisticada travesía con tintes techno, trance y algo de chillo out. Uno de los artífices de “Kisses from the Clouds” es el DJ Banel quien se encarga de varios tracks. Lo acompañan otras figuras de Iboga como Sun Control Spieces, Beat Bizarre, Krusseldorf y Flowjob.

“Archive 9” de Ritmo

Tras su debut con el disco “Disharmonic Silence”, el artista Dubi Dagan reúne en “Archive 9” una novena de remixes sobre tracks de su autoría. El entusiasmo con el que se han reelaborado les otorga una nueva frescura. Colaboran en este destacado trabajo famosos como Suntree, Time in Motion, Gaudium, Egorythmia y Zyce.

“Expose” de Quantum

Gidi Snapir es el cerebro de Quantum, término que alude a una ínfima partícula subatómica sin embargo, en contraparte, en el ámbito de la música DJ se refiere a un creativo gigante con un talante sicodélico contagioso y fascinante. Este álbum “Expose” es el cuarto de su trayectoria y resulta todo un viaje de ritmos electrizantes. Algunos de los de los remixes más destacados que incluye este trabajo son los de U-Recken, Timelock y Frequlyser.

Web oficial del grupo alemán Cascada

Se estima que Cascada ha logrado vender más de trece millones de copias de sus tres álbumes recopilados hasta la fecha.

Los integrantes de Cascada

La agrupación Cascada se encuentra integrada por la cantante Natalie Horler y los productores musicales DJ Manian y DJ Yanou. Natalie Horler, nacida en 1981, es una cantante germano-inglesa que desde los 16 años ha colaborado con numerosos DJ. Por ejemplo, ella participó en el tema “Sometimes” de act 2 Vibez. Por su parte DJ Manian, es un reconocido productor germano de trance. Ha colaborado con músicos y productores como Bulldozzer, M.Y.C., Ampire, Liz Kay, Manuel Schleis y Yanou.

DJ Manian es bien identificado por su celebrado tema Welcome To The Club. Finalmente Yanou es un músico y productor alemán que por su intenso trabajo creativo se ha ganado el respeto y la admiración de todos los aficionados a la música electrónica.

Tres tiempos de una gran trayectoria

Se puede comprender la trayectoria de Cascada en tres importantes etapas que se corresponden con los álbumes que han puesto al alcance de sus numerosos aficionados. Y así, el disco Everytime We Touch fue lanzado en el 2006. Tras una aceptación variable por parte de la crítica, los temas “Truly Madly Deeply” y “Miracle”, lograron consolidar por sin el éxito de este trabajo. Del 2007 es el disco Perfect Day, que incluye el sencillo “What Hurts the Most”.

Cascada tuvo mucha aceptación por este álbum, incluso le valió un Disco de Platino en el Reino Unido. Su más reciente lanzamiento fue el disco Evacuate the Dancefloor ha logrado muchos triunfos en Reino Unido, Alemania y Estados Unidos. En este último país ha obtenido Disco de Oro por sus altas ventas. Algunos de los temas más destacados de Evacuate the Dancefloor son, el sencillo que le da título al disco, “Breathless”, el rítmico tema “Dangerous” y la balada “Draw the Line”.

Fotograma del videoclip Wonderlust de Björk

Björk, vestida con prendas de aire mongol deambula entre ellas. La obsesiva mirada de estos animales y un conjuro que Björk desarrolla, producen que la manada entera se lance en la corriente del río iridiscente. Björk viaja en la espalda de uno de los yaks, flotando entre aguas de brillos.

Viaje al fondo del yo

Mientras los acordes hipnóticos y plenos de melancolía del tema Wonderlust saturan el ambiente, todos son arrastrados hacia una cascada descomunal. Mientras tanto un grotesco doble de Björk ha brotado de su espalda y contiende con ella en el lomo del formidable animal, ante la mirada de una gigantesca deidad bovina.

Al final Björk y su doble caen en el abismo y son recibidos por una presencia divina que los toma entre sus manos y los lleva hacia la luz.

Visiones del trasmundo

El video Wonderlust fue ampliamente celebrado por los aficionados a la música electrónica y a las fantasías surrealistas siempre sorprendentes y profundas de Björk.

Algunas referencias simbólico-hermenéuticas que resaltan de este proyecto son las siguientes: los seres similares a bovinos, con sus profundos ojos cansinos, aluden a una honda percepción espiritual. Pero también a la tradicional cabalgadura de los sabios, como fue el caso del filósofo Lao-Tse. El río, por su parte es un símbolo de la temporalidad que desemboca en una fusión de lo individual con lo absoluto.

El doble maligno que brota de la espalda de Björk es una referencia al número dos, la condición mínima de la pluralidad, de la gestación del ser por medio de la confrontación y la armonía de opuestos. Precisamente la lucha entre Björk y su doppelgänger, tiene los visos de una danza ritual: una evocación en movimientos tensionados de las fuerzas creadoras del ser.

Las manos colosales que reciben a Björk y su doble son un símbolo de autoridad, perdón y salvación. La luz en la que se consume la viajera es una culminación de inmaterialidad feliz y transformadora.

En la Web sientelamusica se dan cita los mejores djs aficionados

Grandes creaciones

Diversos motivos de síntesis auditiva fueron trabajados por el compositor galo Jean-Claude Risset, en creaciones como Mutations I (1979). Por su parte el norteamericano Charles Dodge demostró un especial virtuosismo con el manejo de la síntesis aditivas en su composición Cascando (1983).

Una original alternativa fue la que uso John Chowning en la década de los 60, en los Estados Unidos, para sintetizar la frecuencia de FM y convertirla en fenómenos auditivos de notable complejidad. Su pieza Stria (1976) es una muestra patente de los alcances de su intuición. Es preciso acotar que estos artistas compartieron la tendencia a servirse de filtros de las más diversas clases para reforzar ciertas armonías o alterar ciertos tonos. El objetivo de estas investigaciones sonoras estaba encaminado a prolongar notas de manera vertical, en el tiempo, y horizontal, en la percepción profunda de la conciencia.

Tecnología y poesía

Otro de los recursos de más valía para captar los cantos del trasfondo del ser, por medio de la música electrónica experimental, es el de la técnica conocida como vocoding de fase, o método de codificación predictiva lineal. Un ejemplo de ello lo tenemos en Las Seis fantasías sobre un poema de Thomas Campion de Paul Lansky (1979), que incluye además una proliferación de ecos, efectos de sonido retardado, sistemas de simulación de ámbitos para explorar las sonoridades posibles de espacios amplios o de acústica variable.

El conjunto de herramientas, estrategias y tecnologías utilizadas por los artistas mencionados, de entre varios más, han influido grandemente en los ritmos electrónicos más populares. Lo que diferencia de una manera radical a la música electrónica experimental y a sus derivados comerciales es que, mientras que la primera incorpora una gran variedad de recursos de exploración auditiva, la segunda maneja solo algunos cuantos. No obstante ambas alternativas son altamente disfrutables en sus respectivos contextos.

SampleTank 2 (www.ikmultimedia.com)

A pesar de que sus comienzos fueron muy precarios, los instrumentos virtuales han transitado un largo camino hasta la actualidad. Como primera medida, lo primero que se ha visto son las réplicas software de los sintes, instrumentos y samplers más populares del mundo “real”. Cada uno de estos elementos eran fundamentales para mejorar las características de gran parte de las unidades hardware más caras y, se obtenía a cambio de menos dinero.

El mercado ha crecido sorprendentemente gracias a las firmas como Native Instruments, Applier Acoustics y Steinberg, que se han preocupado en afianzar la tecnología plug-in con productos aptos y legítimos para el músico que posee menos recursos.

Después de la primera descarga de sintes analógicos virtuales, se ha podido observar que durante los últimos meses se produjo una reveladora explosión comercial de emulaciones de instrumentos, que tienen específica relación con respecto a la cantidad como la calidad. Este gran desarrollo abarca desde los pianos acústicos como Steinberg The Grand a pianos eléctricos (Applied Acoustics Lounge Lizard EP 1), así también como los avanzados sintetizadores como Native Instruments Absynth y VirSyn Tera hasta ampliaciones y nuevas alternativas al sampler tradicional, con “ROMplers” tipo Spectrasonics Stylus.

En la actualidad el mercado de software nativo está viviendo momentos de esplendor y gran desarrollo. Esto se debe, básicamente, al crecimiento y la reducción de costos que se da, de manera simultánea, tanto en las CPU y la memoria RAM. Esta excelente mejoría permite obtener la máxima calidad de sonido posible y, de esta manera, se despreocupará por el rendimiento del ordenador.

Algunos Programas

(Native Instrument): sintetizador monotímbrico semimodular de 16 voces dotado de gran sonido.

FM7 (Native Instrument): es una réplica muy similar a la de los circuitos del sintetizador FM Yamaha DX7 de los años 80. A este se le incorpora nuevas funciones y compatibilidad con los datos y patches de cualquier sintetizador FM Yamaha.

Kontakt (Native Instrument): es un sampler modular de 16 voces qu soporta varios formatos de muestreo.

Lounge Lizard (Applied Acoustics): imita a un piano eléctrico e incluye controles de fuerza. Rigidez y ruido con respuesta sobre la velocidad y el tono del diapasón, la velocidad de caída la rigidez de los martillos y la posición correcta de la pastilla.

PPG Wave 2.V (Steinberg): se trata de la recreación software del sintetizador de los 80 Waldorf PPG Wave.
Reactor 3 (Native Instruments): es un sistema modular muy flexible con el que se puede construir sintetizadores, samplers, cajas de ritmos o secuenciadores por pasos.

SampleTank (IK Multimedia): básicamente se trata de un módulo de sonidos que está desarrollado en diversas muestras y que, además, cuenta con una enorme y variada librería de sonidos multimuestreados a los que puedes acceder directamente.

Stylus (Spectrasonics): es un módulo de muestras que difiere de los verdaderos samplers ya que no permite cargar sonidos.

Tassman (Applied Acoustics): se pueden crear sintetizadores e instrumentos a partir de bloques de construcción.

Tera (VirSyn): este es un programa muy completo, pero muy complejo también. Con dicho software se puede sintetizar, secuenciar y mezclar.

The Grand (Steinberg): este programa se especifíca por emular un auténtico piano de cola. Es la versión virtual más realista de un piano de cola.

Virtual Guitarist (Steinberg): es un programa que crea frases de guitarra rítmica realista, precisa y con un gran sonido. Su método es el “acorde de un sólo dedo”.

Por su parte, en los estudios profesionales de grabación, las grandes mesas de mezclas y los magnetófonos comienzan a ser relegados por sistemas digitales como Pro Tools, que brindan la posibilidad de grabar, ecualizar y añadir efectos; todo dentro de un ordenador. Los entendidos en tecnología digital aseguran que, gracias al bajo costo de los componenetes y al continuo aumento de potencia de los procesadores, no faltaría mucho tiempo para que se pueda producir discos con calidad profesional utilizando una PC doméstica. Gran parte de este adelanto tecnológico proviene de los productos realizado por dos compañías europeas como es la alemana Native Instruments y la sueca Propellerheads.

El programa más conocido de Native Instruments es el Reaktor

Varios artistas renombrados como Orbital, Depeche Mode o Jamiroquai utilizan este sistema. Pero, en su mayoría, es empleado por miles de músicos independientes de todas partes del mundo. La idea principal de los creadores de este programa era comprobar si la potencia de los últimos procesadores domésticos podía ser capaz de reproducir la actividad de los sintetizadores clásicos diseñados por compañías como Roland o máquinas caras. Y así fue, Reaktor ha alborotado la forma en que se utiliazan los ordenadores en la composición musical, entre ellas, porque el programa no sólo reproduce el sonido de aparatos ya existentes sino que también brinda la posibilidad de crear desde cero nuevos sonidos, que pemiten la continua innovación de nuevos e inéditos estilos de música electrónica.

A pesar de sus excelentes aplicaciones

El programa resulta bastante difícil de manipular. Es allí donde aparece su acérrimo competidor, Reason, que pretende superar las dificultades que birnda el Reaktor. Reason es mucho más sencillo y su idea principal es la de llegar a todos los públicos. No es necesario ser un virtuoso para manejar este programa, ya que en un solo paquete, encontrará todas las herramientas que existen en un estudio de grabación verídico.

En la actualidad es muy sencillo disponer de un estudio de grabación en casa

Sólo necesitará un PC que esté lo suficientemente actualizada para comenzar a crear, ya que los programas cuentan con sintetizadores y cajas de ritmos virtuales hasta sampler (aparato que nos permite recrear sonidos de orquesta y otros instrumentos reales). Todo se trabaja desde una mesa de mezclas central, que le permitirá incorporar graves y agudos, procesar los sonidos con efectos de eco y reverberación. Además podrá tener tantos sintes y samplers virtuales como la potencia de su ordenador le permita.

Primeros instrumentos electrónicos en los 60

Un aporte significativo al crecimiento de la música electrónica en vivo fue, también en la década del sesenta, la aparición de instrumentos musicales electrónicos. Gracias a ello, la creación y manipulación electrónica del sonido se produce en tiempo real (se crea y se toca en el momento). A partir de allí, se sucedieron numerosos grupos de música electrónica en vivo y, en su mayoría, interpretaban música improvisada de carácter teatral. Recientemente, gracias a la revolución tecnológica, aparecieron numerosos instrumentos electrónicos y programas de ordenador diseñados exclusivamente para las actuaciones en directo.

En este sentido se destacan el músico y diseñador de instrumentos Michel Waisvisz, que realiza sus trabajos en los estudios STEIM de Holanda, y ha inventado diversos instrumentos como The Hands (las manos), el cual se ejecuta a través de las manos del intérprete que activa sonidos complejos y permite manipulaciones sónicas. También sobresale el compositor-intérprete estadounidense George Lewis quien armoniza la improvisación al trombón con programas personalizados de composición por ordenador que trabajan de forma simultánea.

El sintetizador, fundamental

En los cincuenta y, gracias a la evolución del sintetizador y la guitarra eléctrica, proporcionaron un gran crecimiento en el mundo del pop y la música rock. Estos avances tecnológicos fueron absorbidos por grupos como The Grateful Dead, Pink Floyd y la Velvet Underground.

Ya para la década del ochenta se creó una nueva forma de trabajar con instrumentos de música electrónica que apunta principalmente al mercado popular: el célebre MIDI (interface digital de instrumentos musicales). El MIDI otorga la posibilidad a los sintetizadores y a otros equipos comunicarse entre ellos a través el envío de instrucciones digitales. Un intérprete que utiliza el MIDI puede provocar que varios sintetizadores respondan cuando se toque uno de ellos.